V Milanu je bilo tokrat manj eksotike in globalnega vrveža — celo Chinatown obiskujejo skoraj izključno Italijani v iskanju oddiha od domače gastronomije. Ni več skupin azijskih in ameriških turistov, ki so nekoč soustvarjale kuliso mesta. Ostal je vsakdanji evropski ritem, začinjen alla Milanese: gost in glasen promet, množice na ulicah Brere, leden pomladni veter in občutek nedokončanosti.
Milano ima enkrat na leto teden, ko se dogajanje še bolj kot sicer vrti okoli oblikovanja. To je aprilski Milan Design Week. Obstajata dva dela, ki skupaj ustvarita celoto:
- Salone del Mobile je velik, organiziran sejem pohištva na razstavišču na obrobju mesta. Tam so velike blagovne znamke, razstavni prostori, poslovni sestanki. Vzdušje je urejeno in industrijsko.
- Fuorisalone (ki smo ga obiskali mi) pa je drugi del, ki se razlije po celem mestu. Galerije odprejo posebne razstave, znamke najamejo stanovanja, dvorišča ali zapuščene prostore, oblikovalci postavijo instalacije na ulici, trgovine pa se za en teden spremenijo v razstavne prostore.
Pri Fuorisalone ni klasičnega programa, ki mu slediš. Hodiš po mestu (največ dogodkov je v četrti Brera), opaziš odprta vrata ali vrsto ljudi, vstopiš, pogledaš, greš naprej. V enem dnevu lahko vidiš minimalistično japonsko instalacijo v dvorišču, high-tech predstavitev svetil v nekdanji tovarni in eksperimentalni projekt v zasebnem stanovanju.
Od običajnih razstav se Fuorisalone razlikuje v tem, da ni enega kuratorja ali ene zgodbe. Kvaliteta in slog močno nihata. Večina postavitev je ustvarjenih samo za teh nekaj dni. To pomeni, da je izkušnja nepredvidljiva. Lahko naletiš na nekaj povprečnega, potem pa zaviješ za vogal in vidiš nekaj, kar si zapomniš za dolgo.
V tem času se Milano spremeni: ulice so polne navdušencev nad dizajnom in modo, zvečer se dogodki prelijejo v druženje, pijačo, glasbo. Vse deluje malo bolj odprto in radovedno kot sicer. Ne gre le za oblikovanje, ampak za energijo mesta, ki za en teden postane kreativno igrišče.
Pri starših, s katerima sem se tokrat podala na Fuorisalone, sem opazila nekaj, kar mi ostaja v mislih. Še vedno aktivno iščeta razstave, dogodke, nove vtise, enako kot pred desetletji, ko sta naju z bratom prvič peljala v Pariz in Firence. Iskreno zanimanje za umetnost, prostor, detajle in povezovanje uvidov je hkrati odločitev, kako želiš živeti. Radovednost je mišica, ki jo je treba trenirati: starša ostajata odprta za svet, ne glede na to, kolikokrat sta Pariz ali Firence že videla.
Tokrat je bila moja radovednost tista, ki ni dohajala tempa. Potovanje se je odvilo tik po tem, ko sem zaključila prvo etapo zahtevnega osebnega projekta in sem si bolj kot karkoli želela sprostitve, ki pa je nemirni Milano seveda ni mogel ponuditi. Čudno mi je bilo, da me mesto, ki me je v preteklosti takoj potegnilo vase, tokrat ni prepričalo na prvi pogled. Ob starših, ki sta z enako lahkotnostjo kot ponavadi vstopala na prizorišča, se mi je zdelo, da zaostajam. Potrebovala sem kakšen dan, da sem znova preklopila v ta način gledanja.
Hitro je postalo jasno, da je bilo letos na tednu oblikovanja precej ponavljanja. Iste ideje in formati kot pretekla leta, isti vtis že videnega. Ni bilo trenutka, ko bi pomislila, da gledam nekaj, kar premika meje. Vseeno je bilo nekaj očarljivih trenutkov: notranje dvorišče starega samostana, polno pisanih rož, ki jih je samo za en teden zasadil Gucci. Mistična igra svetlobe, kot si jo je zamislil Philippe Starck v kleti gradu Sforzesco. Rumeno steklo in pesek, nasipan v tuš kabinah nekdanjega javnega kopališča. Komaj zaznaven vonj cveta pomarančevca v botaničnem vrtu.
Novost na Fuorisalone, ki je znatno poslabšala izkušnjo, so bile obvezne online registracije za vstop na dogodke. QR kod nato marsikje sploh niso preverjali, tako da se je zdelo, da gre v prvi vrsti za zbiranje e-mailov za trženje. Včasih si preprosto vstopil tja, kamor te je potegnilo. Zdaj moraš najprej izpolniti obrazec z osebnimi podatki. Zaradi tehnologije, ki bi morala potek dogodkov olajšati, sta izginili spontanost in lahkotnost, dogajanje pa je bilo bolj nadzorovano.
Poleg tedna oblikovanja smo si v Milanu pogledali še tri razstave: Armanijeva visoka moda (haute couture) v Armani Silos ter Robert Mapplethorpe in Anselm Kiefer v Palazzo Reale. To so končno bili presežki, ki sem jih pogrešala na tednu oblikovanja: umetniki, ki ne iščejo le pozornosti, ampak gradijo svetove. Obisk razstav je bil prijeten, saj ni bilo gneče (manj globalnega turizma?) in smo si lahko vzeli čas za doživljanje vsebin.
Čeprav sem karierno izstopila iz modnega sveta, sem ohranila ljubezen do visoke mode pokojnega Armanija, ki me je vsako sezono osupnila. Gre za oblačila, ki zahtevajo na stotine ur šiviljskega dela in združujejo tehnike in materiale, ki so predragi za konfekcijsko izdelavo. Te obleke vidimo na zvezdnicah na premierah in podelitvah nagrad, redke srečnice jih lahko naročijo po meri, sicer pa se jim lahko približamo le na razstavah. Za Armanijevo visoko modo so značilni lesk, materiali, ki so videti kot tekočina, in spoštovanje do ženske in njenega telesa. Kroji so zadržani, brez potrebe po razkrivanju ali provokaciji. V času, ko na rdeči preprogi tekmujejo v tem, koliko kože je še mogoče pokazati brez neprijetnih spodrsljajev, Armani deluje elegantno uporniško in brezčasno.
Tudi Anselm Kiefer v Palazzo Reale je dal vtis, da sem videla nekaj neponovljivega in velikega. Dobesedno: platna so visoka in široka več metrov. Razstava z naslovom Le Alchimiste (Alkimistke) se vrti okoli žensk, ki so prispevale k zgodnji znanosti, a so bile kasneje izrinjene iz zgodovine: Caterina Sforza, Isabella Cortese, Marija Judinja … Dela stojijo v plesni dvorani Sala delle Cariatidi z vidnimi sledmi bombardiranja iz druge svetovne vojne, kjer so poškodovane skulpture in stene namenoma ohranjene v takšnem stanju. Ogromna platna vstopajo v dialog s to zgodovino in razpadom, saj Kieferjeva umetnost raziskuje spomin, razkroj in preobrazbo. Tako prostor postane del razstave.
Kiefer uporablja nenavadne materiale: svinec, pepel, slamo, zemljo, posušene rastline in debele nanose barve. Tekstura na teksturo, plast na plast, material štrli iz platna v prostor. Ko to gledaš, imaš občutek, da ne gre za sliko, ampak za nekaj, kar je bilo zgrajeno, naloženo, skoraj izkopano. Vleče te bližje. Najprej vidiš kompozicijo od daleč, potem se izgubiš v podrobnostih.
Pri Kieferju tekstura počne še eno stvar: malce te destabilizira. Oko išče nekaj urejenega, pa tega ne dobi. Iz platna izstopajo rastline, ujete med življenjem in propadom. Rože so klasičen simbol lepote, romantike in nežnosti. Pri Kieferju pa dobijo nasproten ton. Postanejo težke, temne, zlovešče. Njihova lepota ni več lahkotna, ampak nosi težo zgodovine. Žal mi je bilo, da se jih ne smem dotakniti. Kieferjeva platna vabijo k dotiku, ne izgledajo kot nekaj, kar spada za steklo, ampak kot nekaj, kar bi lahko pobrala s tal, hkrati pa je vse skupaj nedotakljivo. Ta napetost naredi izkušnjo še bolj intenzivno. Kot da ti delo prišepne: pridi bližje, potem pa te ustavi tik pred stikom.
Če imamo pri Kieferju material, težo in razpad, Mapplethorpe obožuje nadzor, čistost in kontrast. Njegove črno-bele fotografije prevevata distanca in sterilna hladnost, ki sprožita občudovanje, ne pa tudi želje po stiku. Dela so neposredna, provokativna in hkrati lirična. Izčiščena do točke, kjer forma postane kiparska, svetloba pa je njena nadgradnja.
Razstava je pregled Mapplethorpovega celotnega sveta: portreti (od znanih oseb do anonimnih), moški in ženski akti, avtoportreti, fotografije rastlin in zgodnji kolaži. Razdeljena je na več sekcij, ki skupaj pokažejo razvoj njegovega vizualnega jezika in obsesij. Všeč mi je bilo mešanje klasike in provokacije: fotografije spominjajo na antične kipe, a prikazujejo teme, ki so bile dolgo tabu (spolnost, identiteta, moč). Mapplethorpe človeka in telo obravnava kot obliko: mišice, koža, poza, vse je nadzorovano, skoraj arhitekturno. Lepota ni nedolžna: lilije in orhideje izgledajo estetsko, vendar nosijo isti erotični naboj kot akti. V 80. letih so Mapplethorpove fotografije sprožile škandale in cenzuro. Danes jih gledamo bolj kot klasična dela, ampak napetost med čistim videzom in skritim pomenom še vedno ostaja.
Čeprav smo v Milanu maksimalno izkoristili javni prevoz, se je števec korakov na telefonu vsak dan ustavil pri 17 kilometrih hoje. Metropola te drži pokonci, tudi ko misliš, da si si olajšal pot. Na kratkih razdaljah so nas navdušili tramvaji: eni so muzejski in ropotajoči, drugi sodobni in neslišni. V mesto smo pripotovali s hitrim vlakom iz Trsta. Postaja Milano Centrale je kaotično vozlišče, kjer imaš občutek, da lahko prideš kamorkoli. Italija z železniškimi povezavami, ki so izjemno napredovale, podpira močan domači turizem in gospodarstvo. Ideja, ki bi jo rada enkrat videla tudi doma.
Po vsem tem premikanju med razstavami, instalacijami in italijanskim vrvežem se je naš ritem nepričakovano umiril na enem mestu. V pritličju stavbe, kjer je bilo naše stanovanje, smo odkrili bar, kjer so nas zaposleni takoj posvojili. Vsako jutro smo tam zajtrkovali, vmes je padlo še kakšno kosilo. Med delavci z umazanimi hlačami, ki v minuti spijejo espresso, in obiskovalci, ki mesto opazujejo previdno, kot bi ga tipali, smo se počutili domače. Včasih ne potrebuješ desetih lokacij, dovolj je ena prava.
Milano ostaja zahteven. Hrupen, natrpan, intenziven. Hkrati ti ogromno da, a ne vedno tam, kjer pričakuješ. Letos manj na tednu oblikovanja in več v teksturi Kieferjevih platen, v svetlobi Mapplethorpa, v baru, kjer te sprejmejo z nasmehom, in v spoznanju, da radovednost ni nekaj, kar pripada mladosti.
Prvotno objavljeno na blogu Meglice in morje